Graduado en Ciencias Políticas y Sociales y en Musicología, empezó estudiando a los grandes minimalistas norteamericanos llegando a publicar un estudio sobre ellos. «Yo mejor diría música conceptual, pero de todos modos trato de escapar de esas etiquetas, porque el lenguaje de la música tiene muchas más posibilidades que cualquier etiqueta", asevera huyendo de las etiquetas». Así que estudioso de la música antes que fraile y productor antes que artista, Mertens comenzó en los años ochenta a ser conocido fuera de su país gracias a la formación Soft Veredict, acogida dentro del sofisticado catálogo de los Discos del Crepúsculo. A mediados de la década la publicación de ‘Maximizing the Audience’, grabación basada en la música para la obra de teatro  ‘The Power of Theatrical Madness’, que le proporcionó una popularidad que aguanta hasta ahora, ¡setenta discos después! El sábado regresa al Paseo de la Flores de Salobreña. 

─ Usted es muy prolífico ¿qué le lleva a sentarse ante el piano? ¿Una imagen, una idea, una emoción intensa…?

La inspiración puede surgir de una idea, de algo que has escuchado o incluso de algo que no te gusta. Nadie puede explicar con exactitud cómo nacen esos primeros cuatro compases o cómo llegan a existir

─ Empecé como músico a los ocho años, tocando la guitarra, y seguí con ella hasta los doce. Así que, en realidad, no estoy vinculado a un único instrumento. Cualquier instrumento puede servir como fuente de inspiración. En mi caso, pasé de la guitarra al piano porque, para un compositor, el piano ofrece varias dimensiones a la vez. Está el aspecto rítmico, el pulso; también el campo armónico, que resulta fácil de explorar y desarrollar; y, además, un tercer elemento, normalmente en la mano derecha, aunque en ocasiones también puede estar en la izquierda, que es la melodía. Por tanto, no es tanto que el piano me inspire por sí mismo, sino que lo utilizo como una herramienta dentro del proceso de creación. La inspiración puede surgir de una idea, de algo que has escuchado o incluso de algo que no te gusta. Nadie puede explicar con exactitud cómo nacen esos primeros cuatro compases o cómo llegan a existir. Muy a menudo basta con la atracción de una única idea, traducida en unos pocos instantes o en unos pocos compases de música. Nadie en el mundo puede definir exactamente el momento en que eso sucede. Y ese no es un momento de trabajo, travail, en francés. No es trabajo. Ese primer destello creativo, cuando aparece, no pertenece al esfuerzo consciente. Es después cuando comienza el verdadero trabajo: el desarrollo de la obra, la orquestación, la elección de los instrumentos, decidir si se incorporan voces o no... Esa sí es la parte del proceso que implica trabajo. Pero esa primera sorpresa, que es imprevisible, que no puede anticiparse ni programarse, es en realidad el elemento más importante. Es lo que determina si una persona tiene o no la capacidad de crear algo a partir de la nada.

─ Se suben 20.000 piezas diarias a internet, usted ha contribuido al mundo con más de 60 discos completos… ¿Ha habido más música alguna vez en el mundo?

Esa abundancia de música también puede facilitar que cada persona encuentre su propio camino

─ Es una cuestión muy interesante. Yo pensaba que se subían unas diez mil canciones al día. En cualquier caso, creo que, a largo plazo, hay más ventajas que inconvenientes en el hecho de que dispongamos de una cantidad tan enorme de información musical, especialmente para las generaciones más jóvenes. Esa abundancia de música también puede facilitar que cada persona encuentre su propio camino. Y encontrar ese camino significa, en este caso, encontrar su propia voz. Eso puede suceder en un periodo de tiempo más corto o más largo. Después, es necesario mantener una continuidad y seguir desarrollándose de una manera personal, fiel a esa propia voz. También hace falta una producción abundante y constante para que otros puedan identificar tu trabajo: el público de tu país, de otros países de Europa o, en realidad, de cualquier parte del mundo. Por eso creo que la inmensa cantidad de canciones disponibles en internet no es, en absoluto, algo negativo.

─ La experiencia musical podría dejar de ser excepcional por sobreexposición?

─ Se refiere a la sobreabundancia y al riesgo de que la música pierda su carácter único. Una vez más, aquí me gustaría hablar del sentido. En alemán y en neerlandés, la palabra sentido también hace referencia a la dirección o el recorrido que sigue una melodía. Al mismo tiempo, significa el significado que podemos otorgar a algo, el sentido que le damos al crear. No creo que estemos perdiendo ese sentido. Quizá se haya vuelto mucho más dinámico debido a la sobreabundancia en la que vivimos. Pero esa misma realidad también genera una mayor necesidad: la de encontrar la propia voz. Además, nos hace comprender que la creación musical tiene muchísimas facetas y que sus posibilidades son siempre mucho mayores de lo que podríamos imaginar de antemano. Y creo que ahí reside lo verdaderamente interesante, porque también es necesario sorprenderse a uno mismo. Hay que dejarse sorprender por cosas que no podíamos prever, por cosas que no podíamos calcular de antemano, ni siquiera con la ayuda de los ordenadores. Escuchar la propia voz puede, y debería, ser el punto de partida.

─ Vim Mertens 2026 ¿cómo es en directo?

En los últimos años he tenido la oportunidad de conocer a personas de mi propio público, y es muy emocionante escuchar que ahora estoy tocando para una segunda o incluso una tercera generación

─  Siempre he entendido el papel del público como algo esencial. Hay que encontrar a tu público. De hecho, "Finding People" fue uno de los títulos que utilicé en el pasado. Ya en 1984 o 1985 era consciente de que, para seguir avanzando y dar un nuevo paso en cada etapa de tu trayectoria, necesitas a tu público. Eso no significa depender completamente de él, pero sí tener el privilegio de encontrar a las personas con las que tu música conecta. En los últimos años he tenido la oportunidad de conocer a personas de mi propio público, y es muy emocionante escuchar que ahora estoy tocando para una segunda o incluso una tercera generación. Eso significa que, durante todo este tiempo, ha ocurrido algo que ha mantenido una continuidad entre 1980 y 2026. Esa relación entre el compositor, los músicos y el público y, en particular, el público español, ha contribuido de manera fundamental a la evolución de mi música y a la posibilidad de interpretarla ante personas que ya conocen parte de mi obra y que, al mismo tiempo, se sienten estimuladas por mis nuevas propuestas. Muchas gracias por sus preguntas. Estoy deseando volver a celebrar este encuentro y actuar de nuevo en Salobreña. Muchas gracias.